Aulas virtuales presentadas en los Cursos de Creatividad artística y psicopatología. Colegio Oficial de la Psicolgía (2024-2026)
Preferiría no hacerlo (2024)
Lorca, Dalí y Buñuel, tres genios del siglo XX /2026)
Aula virtual 1. Lorca, Dalí y Buñuel, tres genios del Siglo XX. Mayo 2026.pdf
La pintura en artistas del espectro psicótico (2026)
Aulas virtuales presentadas en los Cursos de Evaluación y tratamiento del duelo normal y complicado. Organizado por el Colegio Oficial de la Psicología de Madrid (2016-2026)
Modelos psicoterapéuticos en el tratamiento del duelo (2017)
Intervenciones psicoterapéuticas con familiares de suicidas (2018)
Evaluación y tratamiento del duelo normal y complicado (2019)
Sueño y duelo (2019)
Rituales de despedida en tiempos de la pandemia (2021)
El duelo y suicidio en la vejez. Psicoterapia grupal del duelo (2022)
Aula virtual 2. 3Curso duelo, 29 noviembre. J. Diaz Curiel.ppt
El duelo y suicidio en la vejez (2024)
Aula virtual 2. Curso duelo, 25 noviembre. 2024. J. Diaz Curiel.pptx
Rituales y ceremonias de despedida (2025)
Psicoterapia grupal del duelo complicado en tiempos de la pandemia (2021)
Presentación de sesiones clínicas en el Centro de Salud Mental de Vallecas Villa (2007-2023)
Presentación sesiones clínicas EN CSM VV
Suicidio en el anciano. Sesión Clínica presentada a residentes de psicología y Psiquiatría en el Hospital Infanta Leonor (2021)
Suicidio y anciano. Docencia Residentes HUIL 21 setiembre [Autoguardado].pptx
Resumen de películas presentadas
Peliculas resumidas cineforum salud mental y atencion primaria
Presentación powerpoint del resumen del Cineforum en Centro de Salud Rafael alberti (2012-2021)
Curso Cine salud: la familia (2020)
Curso impartido a Médicos de atención Primaria, DUE´S, Trabajadores sociales y psicólogos.
https://1drv.ms/f/c/e8bcd8f921961593/IgCdU5cgUN7JSptMWTRKK1z_AUaoJFGKv0qhdjdbqodq8Pw
Curso Cine y salud: suicidio y eutanasia (2021)
Curso impartido a Médicos de atención Primaria, DUE´S, Trabajadores sociales y psicólogos.
https://1drv.ms/f/c/e8bcd8f921961593/IgArBTaMzkLrR7URdILdcgvpAf0_-QXQ_wqJ5zoRt1nwtCU
El ser querido (2026). Dirigida por Rodrigo Sorogoyen
Magnífica película centrada en el reencuentro entre un padre y una hija tras casi 15 años sin verse.
El padre es un director español doblemente oscarizado que vuelve a España a rodar tras una larga ausencia una película sobre el Sáhara en los años 30 del Siglo pasado. La hija una joven treintañera que trabaja de camarera en el momento actual tras haber hecho algunos papeles de actriz en series y películas. El padre le propone que ella sea una de las actrices de su película.
La película trata el tema de la culpa por no haber sido un buen padre y la reparación que él quiere tener con su hija. La rescata y se rescata. No quedan claro por qué el padre rompió con su mujer y abandonó a su hija. Se sabe que era una persona violenta sobre todo cuando bebía y en algún momento dio un cabezazo a su principal actor de una película que tuvo una actitud provocativa con él.
Es una película que había del cine. Desde dentro. Es un rodaje sobre un rodaje al estilo de la noche americana de Truffaut y sabemos lo difícil que es llevar a cabo el rodaje de una película, como el equipo debe funcionar como una orquesta bajo la batuta de un director.
Javier Barden está sublime en el papel y Vicki Luengo también. El director se recrea en primerísimos planos de los dos actores, pasando la cámara con detalle por la boca, ojos, nariz, de frente y de perfil, contándonos con la cámara que sienten los actores a través de esos planos. Un deleite para los espectadores.
Tras la película Valor sentimental que trata prácticamente el mismo tema otras películas están tratando el papel del padre en familias rotas cuando ha sido un padre ausente. Las series de Yakarta que tiene como protagonista a Javier Cámara y Salvador (Luis Tosar) junto con la premiada en los Oscar de Una batalla tras otra ponen el acento en el papel del padre ausente los intentos de redimir en vida relaciones perdidas a lo largo de los años con sus hijas.
Una gran película.
Perdición (1944). Dirigida Por Billy Wiler
Un agente de seguros (Fred MacMurray) y la mujer de uno de sus clientes (Bárbara Stanwyck) traman asesinarlo para cobrar un cuantioso seguro de accidentes suscrito a sus espaldas. Todo se complica cuando entra en acción Barton Keyes (Edward G. Robinson), investigador de la empresa de seguros. (FILMAFFINITY)
He tenido la suerte de ver por vez primera esta gran película de Billy Willer y disfrutar en el ciclo que inaugura esta película de la Fundación Aisge, sobre cine de intriga coordinado Por Emilio Gutierrez Cabaa lo largo de este nuevo curso 2026-27. La película tuvo como título origina Doble indemnización y en España se estrenó de forma milagrosa en ese año con el título de Perdición, aunque la novela en la que está basada se tradujo como Pacto de sangre
Cine negro (por lo que explica el presentador Guillermo Balmori no es porque sea en blanco y negro sino por las tonalidades oscuras y tenebrosas en la iluminación predominantes en estas películas) en estado puro y quizás una de las primeras y grandes películas de este tipo de cine y del cine universal.
Basada en un guion casi perfecto escrito al alimón por Billy Willer y es escritor de novela negra Raimond Chandler está basada en un hecho real ocurrido unos diez años antes y que terminó con la pena de muerte para la pareja homicida. La dirección es muy buena, mantiene al espectador suspendido por los distintos vaivenes del desarrollo de la trama. Trata sobre la mujer fatal (interpretada por Barbara Stanwick) y el amor Fou de un hombre (interpretado por Fred Macmurray) hacia una mujer de la que se siente prendado nada más verla y que le lleva a cometer e incluso anteponer los deseos de ella de deshacerse del marido por dinero. Se deja llevar por su ambición y por el amor de ella.
El contrapunto frente al crimen perfecto que quieren desarrollar lo pone el personaje interpretado magistralmente por Eduard G. Robinson, investigador de la compañía de seguros sobre casos sospechosos que se llevan a cabo para cobrar el seguro indebidamente de la compañía. Este se lanza en sus investigaciones como un perro de presa que no suelta hasta que termina. En este caso nos va mostrando a los espectadores y al propio asesino y compañero de el de la compañía de seguros sus averiguaciones. Nos hace participes de la sospecha y el circulo se va implacablemente cerrando poco a poco.
Hay otros elementos que se tratan en la película: la relación de la hija del asesinado con su madrastra, en una competencia de amor entre ellas, ya que la madrastra también seduce al novio de ella y esta sospecha que cuando trabajaba de enfermera cuidando a su madre provocó la muerte de ella dejándola sin ropa de abrigo en una fría noche invernal con la ventana abierta. Falleció a los dos días. La relación entre la hija y el amante de su madrastra y asesino de su madre es uno de los misterios de la película.
El desenlace de la película es maravilloso y también nos deja sobre la duda de su la mujer fatal fría e implacable en su manifestación de los sentimientos ha estado enamorada del asesino de su marido o no. Otra gran maravilla del cine que muestra, pero no juzga.
Obra maestra que gracias a este ciclo de 13 películas de la Fundación Asisge he podido ver
El tercer asesinato (2017). Dirigida por Kore-Eda
Rashomon llevado al universo Kore-eda. Una personalísima muestra de cine criminal y judicial que trae consigo retazos a los que nos tiene acostumbrados el nuevo thriller coreano. El conocido abogado Shigemori defiende a Misumi, acusado de robo con homicidio, que ya cumplió pena de cárcel por otro asesinato hace treinta años. Las posibilidades de que Shigemori gane el caso son escasas ya que su cliente reconoce ser culpable, aunque esto probablemente signifique la pena de muerte. Pero a medida que desentraña el caso y escucha los testimonios del propio Misumi y de su familia, Shigemori empieza a dudar de la culpabilidad de su cliente. (Cine Madrid)
Película sobre las distintas maneras de ver la realidad cuando hay varias versiones sobre un hecho. Kore-Eda centra un thriller su visión sobre la verdad y la culpa, sobre los motivos que pueden llevar a una persona a cometer un asesinato, que no siempre son por motivos objetivos conscientes, ni por el robo, los celos, o la venganza, motivos que paradójicamente pueden llevar a rebajar la petición d pena, como en este caso evitar la pena de muerte.
La Justicia juzga hechos, pero no siempre puede conocer la motivación del asesino por la que ha cometido un asesinato. Los abogados tienen que apoyarse en la versión de sus clientes, pero cuando el cliente cambia de versión, aunque sepan que no es verdad su versión tienen que seguir sus deseos.
En la película un asesino condenado por dos asesinatos sale de prisión tras cumplir la pena y reincide matando de nuevo. Conocer los motivos por los que inicialmente reconoce que es el asesino hasta la ultima versión que da de los hechos nos lleva a la indeterminación y dudas a los espectadores, como le acurre a su abogado defensor. Aunque conozcamos íntimamente las motivaciones no siempre se pueden hacer publicas porque pueden afectar a terceros. Los limites de la defensa no siempre están claros cuando contravienen a los deseos íntimos del asesino a la hora de cometer un asesinato.
Una gran película de Kore-Eda aunque a veces cuesta seguir el hilo argumentativo de la misma.
Vania en la calle 42 (1994). Dirigida por Louis Malle
Un grupo de actores ensaya "El Tío Vania", drama de Antón P. Chéjov. En una casa de campo una familia se reúne con sus amigos en torno al profesor Alexander Serebryakov, un hombre vanidoso y engreído que desde hace años asegura que está escribiendo su obra maestra. Los personajes principales son: Yelena, su segunda y joven esposa; Sonya, hija de su primer matrimonio; la abuela de Sonia y suegra del profesor, y el tío Vania, que cada vez soporta peor la actitud de superioridad de su cuñado. El texto original y las relaciones entre los intérpretes se enredarán inevitablemente conforme avancen los ensayos. (FILMAFFINITY)
Estupenda adaptación al cine de la obra de teatro El tío Vania. Teatro filmado en 4 secuencias, con un público de amigos que participan en la representación como espectadores y comparten con los actores los descansos de la obra
La obra escrita por Chéjov en 1999 nos traslada a una hacienda rusa donde viven y trabajan varios miembros de una familia: Sonia la hija del profesor, la abuela, la nodriza, el tío Vania, El doctor y creador de bosques y un amigo que hace también de criado. La visita del anciano profesor junto a su joven y bella esposa, trastoca el funcionamiento familiar y hace junto con la aparición en escena del médico que aparezcan las ilusiones fracasadas de los personajes junto con amores idealizados y desamores. El texto es de una rabiosa actualidad en cuanto a la descripción de los sentimientos de las personas y también en cuanto a la visión ecologista y destructiva del ser humano del medio ambiente.
Los personajes viven una vida anclada en su monotonía. Quién desea algo fuera de lo común pronto vera como sus deseos se frustran y los cambios son muy pocos previsibles. Tio Vania, está enamorado de Yelena, ella lo sabe y vive sojuzgada por el profesor, es su cuñado y a la vez su siervo. Ni los impulsos homicidas ni suicidas puede llevarlos a cabo. El final de la obra es una ceremonia del adiós, los adioses, dichos con frialdad en medio de una vida anodina donde solo cabe esperar pacientemente a la muerte como objetivo inexorable donde poder descansar de la vida monótonas resignación y mucho miedo al cambio.
En la casa (2012), Dirigida por François Ozon
Un profesor de literatura francesa, desalentado y hastiado por las insulsas y torpes redacciones de sus nuevos alumnos, descubre entusiasmado que, por el contrario, el chico que se sienta al fondo de la clase muestra en sus trabajos un agudo y sutil sentido de la observación. Este chico, que se siente extrañamente fascinado por la familia de uno de sus compañeros, escribirá, animado por el profesor, una especie de novela sobre esa familia (y también sobre el profesor), en la que es difícil distinguir entre realidad y ficción. (FILMAFFINITY)
Estupenda película dirigida por Francois Ozon que trata la delgada línea roja entre la realidad y la ficción. El cine y la literatura son ficción que se cuela en nuestros sentidos y emociones y entendimiento como lectores y espectadores. La película trata del feedback necesario entre realidad y ficción que a veces confunde y puede influirse mutuamente. Película muy francesa donde aparecen algunos de los autores y artistas literarios franceses como Flaubert, Stendahl, La Fontaine que han tratado sobre metaliteratura y sobre los comienzos de los jóvenes artistas que quieren dedicarse a escribir. También se menciona a autores como Kafka o Salinger para señalar si la literatura sirve para algo o autores rusos como Dostoievski a la hora de trazar la psicología de los personajes. Muy francesa porque ahonda en la importancia de la educación en la formación de los jóvenes y como en la actualidad sigue habiendo educadores y profesores que siguen luchando porque esa educación se mantenga y se ilusiones cuando ven como en esta película que un alumno destaca y se interesa por contar historias.
La película también disecciona la vida de pareja y de las familias en la clase media francesa. Familias aparentemente unidas y felices y parejas que se cuentan y se interesan el uno por el otro, pero como la realidad va minando sus relaciones y se pierde la ilusión y a pasión entre ellos.
La ficción se cuela en la realidad y puede influir realmente en el funcionamiento personal y familiar. La literatura sí moviliza a las personas y ayuda a tomar decisiones al igual que las obsesiones de un profesor por ayudar a un joven alumno a organizar su mundo creativo puede arruinar su vida personal y familiar.
Las interpretaciones están ajustadas al guion y al relato, sin estridencias, basadas en la monotonía del día a día de los personajes, en lo que Landero denomina la entrecana zona media de la vida.
Una gran película de este gran director francés.
Mala Sangre (1986), Dirigida por Leos Carax
Sorprendente y rompedora película de un jovencísimo director. Entre la ensoñación, la imaginación Leo Carax dirige esta Thriller que le sirve para hablar vida para los jóvenes.
El protagonista es como un Quijote marginal. Enfrascado e influenciado en sus múltiples lecturas y con altas capacidades para la magia. Es ventrílocuo lo que le permite expresar pensamientos sin necesidad de mover los labios. La vida va a ir muy rápido para este joven marginal captado para realizar un robo de una vacuna para proteger a aquellos que buscan el amor por el amor.
Un guion complicado, una interpretación de Michel Piccoli y una jovencísima Juliette Binoche y la sorprendente actuación del protagonista Denis Lavant
La vida es breve para los héroes que mueren jóvenes, porque si no serían héroes y pasa para los que perseveran en los oficios como los protagonistas adultos de la película
Sorprende en ritmo, la música, los planos, los claroscuros, los fundidos en negro y cierta ternura detrás de tanta impaciencia.
Luis Landero. Coloquio en invierno. Barcelona, Tusquets, 2025
Landero es un maestro en contar historias. Con la palabra precisa y el nexo entre las historias que aparecen en esta novela ha creado una obra irrepetible. Da gusto seguir las historias que se cuentan los personajes de la novela, personas anónimas que se encuentran aislados en un hotel de montaña a causa de La Filomena. Una profesora, un militar, un periodista, un trabajador del ferrocarril, que deciden para matar el tiempo contar recuerdos reales o fantaseados de sus vidas.
Hace del “entrecano camino de la vida” el eje de la novela, donde lo insignificante alza el vuelo, donde los azares de la vida pueden cambiar los destinos de las personas, a veces por hechos fortuitos, otras veces por decisiones inconscientes y la mayor parte de las veces porque la vida es así, azarosa e impredecible. Convierte el tema del amor y los celos y la búsqueda de la identidad y de la felicidad en el eje de su novela. Aparentemente sin querer dice más de lo que cuenta, de la simpleza a la universalidad porque los grandes temas que mueven a las personas son pocos y cada uno elige o se deja llevar por ellos sin conciencia de ellos.
Posiblemente hay recuerdos autobiográficos del autor (el personaje del guitarrista flamenco), pero también porque todo lo que se cuenta forma parte de la vida real o imaginada del narrador. La literatura siempre es una mentira contada para ser devuelta en forma de verdad.
Una gran novela de la que destaco algunos pasajes:
<<-Sin ponernos de acuerdo, todas las historias que hemos contado, sean o no de amor, tratan de lo mismo -dice Santos-, de la entrecana zona media y de cómo la vida está hecha de momentos, momentos creativos y momentos en que, de pronto, todo lo que se había logrado con tanta ilusión y tanto esfuerzo se desbarata en un instante. El encuentro con una vieja maga, la pérdida de u mechero o la aparición de un perro, una mirada maliciosa, unas palabras a destiempo. Esa es nuestra biografía, la historia de unos cuantos momentos de revelación, como los raptos de los místicos o la inspiración de los poetas…>> (pág. 275)
Las mejores intenciones (1993). Dirigida por Billy August
Año 1909. En el transcurso de una huelga general, Henrik, un humilde estudiante de Teología, conoce a una chica de una familia de clase alta a la que todos adoran, sobre todo su padre. Entre ellos nacerá, a pesar de la oposición familiar, una larga historia de amor que encarna la lucha contra el rígido sistema de clases dominante. Se basa en la historia de los padres de Bergman. (FILMAFFINITY)
El director August nos lleva de la mano en el recorrido de una pareja a principios del Siglo XX en Suecia, ente Estocolmo, Upsala y una localidad rural algo más al norte. La película lleva el sello de Ingmar Bergman, guionista de esta historia y basada en hechos autobiográficos, donde el protagonista masculino de la película, el pastor protestante, tiene el apellido de Bergman.
La protagonista Anne es la única hija de una familia acomodada de Upsala. Tiene varios medio hermanos mayores, presuntamente hijos del un primer matrimonio del padre, por el que siente un vínculo especial y con quien comparte momentos muy tiernos en la película. Conoce al seminarista Henry, amigo de uno de sus hermanos, y entre ellos se produce un rápido acercamiento y compromiso. La madre se opone muy directamente a este matrimonio y hace todo lo posible para que ella abandone la idea de formar una familia junto a él de clase más humilde y con desavenencias profundas con su familia de origen, sobre todo con sus abuelos que no trataron bien a su madre ni a él a lo largo de su vida.
La película trata de la importancia de la religión en la consolidación de las parejas, en la vida rural, en el poder que tienen sobre sus adeptos y en la oposición con la que se enfrenta a otros poderes fácticos de la sociedad.
Bergman es un maestro en profundizar en las delgadas líneas rojas que existen dentro de las familias y esta película recorre todos los momentos que implican la lealtad de la pareja y de los compromisos que adquieren cada miembro con el otro, aunque la capacidad para decidor tanto de él como de ella sobre su futuro es muy importante. El amor se asienta en el compromiso y cuando este se tambalea las relaciones se pueden llegar a romper. Reconstruirlas, perdonarse, compadecerse del otro son requisitos fundamentales para seguir con el otro.
Una gran película muy bien dirigida por Billy August y muy bien interpretada por los personajes principales y secundarios. La fotografía es espectacular y el ritmo acompasa junto con la música el recorrido de la vida de una joven pareja.
Whiplasch (2014). Dirigida por Damien Chazele
Trepidante película que trata la dura tarea de convertirse en artista. Centrada en una Escuela de Música, la de mayor prestigio del Este Americano a donde llegan jóvenes músicos que quieren aprender y formarse como artistas. El director de una de las formaciones es Timothy Flechter, que maneja con brazo de hierro a los músicos, a los que desdeña e insulta si es menester y de los que aparentemente quiere sacar los mejor de cada uno, pero con métodos no democráticos y difíciles de entender desde la educación semejantes a los del ejército. Parece más un sargente despechado que un artista que quiere enseñar a sus alumnos.
A esta escuela llega un aprendiz de percusión, un joven de 19 años con toda la vida por delante. El profesor sabe que tiene un diamante en bruto nada más escuchar su primer acorde en la preparación de una pieza de big bang jazzística. Entre el alumno y el profesor se crea un vínculo especial que centra el resto de la película. Para aprender hay que practicar y esforzarse mucho (algunos dicen que para ser un maestro en cualquier arte u oficio artístico se necesitan más de 10000 horas de aprendizaje). Así se han forjado muchos artistas aunque no lo sepamos ver ni intuir y en esta película se nos muestra ese largo camino que tiene que recorrer un musico para legar a ser lo que se propone.
Una gran película de la que no había oído hablar y que por una casualidad hemos visto este verano. Con la interpretación del personaje de profesor/director de la formación musical J. K Simmons obtuvo un Oscar al mejor actor de reparto. La película obtuvo otras dos distinciones en los Oscar del 2014: mejor sonido y montaje. El director es un amante del jazz y nos trasmite en escenas detalladas y sorprendentes cada uno de los instrumentos de una big bang.
Sospecha (1941). Dirigida por Alfred Hicthcok
Película que trata de la dominancia de un hombre que enamora a una mujer y se aprovecha de la fragilidad de esta para no ver lo que ocurre en realidad tanto en su vida relacional como en la conducta de u marido.
No ve, pero Hitchcock sí nos empuja a ver lo que ella no ve. De ahí el título de la película. Las sospechas no son evidencia pero se sustentas en percepciones a veces dentro de la realidad o a veces en suposiciones. De ahí el tratamiento del director que trata con maestra esa difícil línea entre la sospecha y la evidencia.
Gary Grand en el papel masculino de seductor se mueve siempre en la misma posición de no interpretar sino siempre a si mismo. Da poco margen interpretativo, pero también ahí reside su grandeza, con poco expresa mucho. Jane Lafontaine hace un papel acorde al personaje de mujer vulnerable, que está perdiendo la posibilidad de encontrar pareja por la estrecha dependencia que tienen de sus padres. Frente a esta dependencia establece otra dependencia casi peor porque esta es producto de una elección en su vida adulta.
No es de las mejores películas de Hitchcock, pero lleva su sello personal e intransferible.
El proceso Paradine (1947). Dirigida por Alfred Hictcok.
De nuevo el triángulo amoroso y la fragilidad del hombre enamorado. Inteligencia y razón frente a la pasión.
En la vida personal y profesional nada está definido y puede cambiar por situaciones de enamoramiento. Este es uno de los temas esenciales de la película muy bien tratado por el director. En este caso se pone en el dilema moral de un abogado que defiende a una mujer acusada de asesinato de su marido, el coronel Paradise. Una mujer enigmática, definida por dos de los protagonistas de la película, el abogado y el juez como una mujer sorprendente y. bella. El le asegura que demostrara su inocencia si sigue su táctica para la defensa ella no quiere traspasar el hecho de que se acuse del envenenamiento de su marido al jardinero que trabajaba en la casa familiar. Ella no quiere el veredicto de inocencia a cualquier precio. Solo había tres posibilidades: el suicidio del coronel, que el jardinero lo envenenase o que fuera ella. La primera hipótesis era muy difícil de demostrar y ella se opuso a que la línea de defensa fuera que su amante fuese declarado culpable.
Hasta en las líneas de defensa de un juicio llevadas a cabo por un abogado brillante interfiere factores personales en los motivos argumentados en la defensa. En este caso el estaba enamorado de ella y ella no quería atravesar un falso testimonio hacia un tercero.
Falta el otro punto de vista: el de la mujer del abogado que ve como va perdiendo a su marido, pero le apoya para que siga con el caso, porque de lo contrario lo perdería para siempre. Sabe del amor de el hacia la acusada, pero que debe terminar el Juicio para que la relación entre los tres esté equilibrada. Un papel esencial en el desarrollo de la película.
Me gustan las interpretaciones de todos los papeles, sobre todo del juez interpretado magistralmente por Charles Laughton. Gregory Peck está en su papel de abogado atormentado y racional y los demás principales y secundarios también.
Quizás se pueda achacar un exceso de dramatismo de los personajes, pero la trama de la película lo exige.
Otra gran película del maestro Hictcock
39 escalones (1936). Dirigida por Alfred Hitchcok
Una de las últimas películas de Hitchcock rodada en Inglaterra antes de marcharse a USA.
Hay escenas memorables como las rodadas en el teatro o en una convención política donde se ve caramente la maestría de Hitchcock para secuenciar planos grupales sin perder detalles en lo que nos quiere trasmitir.
La historia es rocambolesca, con un asesinato que nos marca la historia de la película. El guion no es muy fuerte y adolece de verosimilitud, desplazando la escena de Londres a Escocia donde el director muestra escenas de trenes y de naturaleza altamente logradas.
Esta película de transición entre los rodajes del cine mudo y el cine con sonido y policiaco preanuncia lo que va a se su cine en las décadas posteriores. Todavía hay influencia posiblemente del surrealismo de Buñuel y de Breton, que más adelante lo convertirá en señas de identidad de su cine ya más simbolista y con elementos que nos ayudan a desentrañar las historias (los famosos MacGufin de su cine).
Una película que no había visto y me parece lograda aunque la historia no sea muy creíble.
Crimen perfecto (1954). Dirigida por Alfred Hitchcock.
No deja de sorprenderme la maestría de Hitchcock para contar historias. Todo la que expresa en la película es interesante y nos hace participe de a donde quiere llevarnos sin que nos demos cuenta de la importancia de los detalles. La muestra, pero los giros son tan sutiles que no sabemos qué pensar y cuando todo parece que está cerrado, abre de nuevo la caja de pandora para llevarnos al final que está ya implícito en el principio de la película.
En la realidad no hay crímenes perfectos, en la ficción sí. Como el cine es ficción nos lleva a esa neorealidad con la que nos identificamos, pero dentro de esa ficción aparece otra ficción que desmonta a la primera.
La película empieza con una historia de amor clandestino y termina con la historia de amor que, en la realidad, que también es posible.
Una obra maestra llevada a cabo en un espacio muy reducido (un apartamento) con pocos personajes y una gran sutileza en la construcción del guion y en la puesta en escena.
Islandia (2026). Manuel Vilas. Barcelona, Ed. Destino
Manuel Vilas ha escrito una novela necesaria para elaborar el duelo por la ruptura de pareja tras casi doce años de relación. Se mete en los sentimientos del protagonista protagonista doliente tras la ruptura que expresan uno de los testimonios más originales y sinceros (dentro de la ficción) del protagonista enamorado y dejado por su mujer Ada, la protagonista de la novela.
Continua en el modelo de la autoficción, donde nunca sabemos que hay de fantasía y realidad, aunque todo es verosimil y de una cercanía, que junta la tristeza y el humor, el amor y el odio, la culpa, la percepción del tiempo y el recuerdo que va y viene. La desolación del enamorado, del que dudamos si alguna vez ha sido capaz de querer completamente a su amada y si ella le ha querido alguna vez, porque todo es relativo y el tiempo es una apisonadora que todo puede aplastar.
Una novela muy triste de leer y a la vez arrebatadora por la gran carga de poesía y profundidad que anidan en sus páginas. Posiblemente sea la novela más poética de los libros que he leido de Manuel Vilas que me deslumbró con el libro de Ordesa dedicado a sus padres y que he ido leyendo a lo largo de los últimos años.
Una gran libro que convierte el testimonio del desamor de una forma muy original y de una gran verosimiltud.
Vidas pasadas (2023), Dirigida por Celine Song
Nora y Hae Sung, dos amigos de la infancia con una fuerte conexión, se separaron cuando la familia de ella, que entonces tenía solo 12 años, emigró desde Corea del Sur a Canadá. Doce años después, Nora trabaja como escritora de teatro en Nueva York. Cuando decide retomar el contacto virtual con Hae Sung, descubre que este llevaba tiempo buscándola. El reencuentro remueve los recuerdos de ambos, sus ideas acerca del amor y el destino, y les hace preguntarse por las elecciones que conforman una vida. (Filmaffinity)
Excelente película que trata la importancia de los primeros amores de la infancia en la vida adulta. Cuenta la historia de dos Nora (nombre americanizado) y Hae Sung, que mantienen una fuerte competencia por ver quienes son los primeros de la clase y a la vez muestran las primera s atracciones de amor platónico y comienzo del amor sensual en la preadolescencia. Esta relación se trunca con la marcha de la familia de Nora (padres intelectuales: él compositor y ella pintora) a Toronto. La película está dividida en tres actos: el primero en Seul donde sabemos que muestran una atracción entre ellos. El segundo doce años después donde por una coincidencia del destino se buscan a través de las redes sociales y se encuentran y mantienen un vinculo que se va estrechando a través de las videocámaras y los chats pero que se trunca ante las dificultades de trasladarse ya sea él a Toronto o ella a Seul. Y un tercero ya con sus vidas más consolidadas, ella casada desde hacia 7 años y el que acaba de romper con su novia. El encuentro en Nueva York donde ella vive se produce ya en estas circunstancias.
Ella trabaja de profesora/autora teatral, Su marido es escritor y Hae Sung de ingeniero en Seul. El reencuentro tras mas de 24 años sin verse es duro, los dos saben que el In-Ku (la expresión de origen budista que hace que entre dos desconocidos se produzca un nexo especial, ya sea por el roce mínimo entre sus ropas o por algo más mentalizado) hizo que ese vínculo sea para siempre, pero la vida nos condiciona y nos lleva a caminos que no podemos prevenir. La distancia entre ellos no hizo posible su vida en común pero el vinculo que tuvieron de pequeños, reactivado 12 años después a través de las redes sociales permanecerá para siempre.
Me ha gustado mucho los encuadres, la fotografía, el ritmo, la forma de contar esta historia de tanto calado para todas las personas, porque todos tenemos un pasado que recordar y que llevamos hasta nuestro presente.
Una gran película, magistralmente dirigida e interpretada.
Morir en la arena. Leonardo Padura, Barcelona, Tusquets, 2026
Ultima novela publicada de Leonardo Padura.
Centrada en la Habana del 2025, describe la dificultad de los habaneros para sobrevivir en el día a día. Una Cuba abandonada a su suerte donde los personajes principales han llegado a los setenta años y el horizonte de vida y esperanza de una vida mejor se ha disipado y la misión es sobrevivir al día a día en medio de la suciedad, la falta de medicinas y alimentos, los frecuentes apagones, y una vida falta de esperanza casi para todos.
Novela que intenta profundizar en tres temas existenciales como la culpa, la redención y el miedo.
Padura hace un recorrido a través de la vida de sus personajes de la Cuba desde los años 60 hasta nuestros días. Todos los personajes son perdedores, los que se han quedado a la isla y no han sido devorados del todo por el pesimismo y el alcohol, Rodolfo, Nora, Geni. Algunos han emigrado a USA y España como Violeta y Aitana, hijas de los personajes principales. Otros han muerto por el camino alcoholizados y desencantados.
La novela está centrada en los hermanos Geni y Rodolfo. Genio es un parricida que ha cumplido 3o años de condena. Roberto se acaba de jubilar. Los dos penan culpas por matar al alguien: Geni a su padre maltratador, Rodolfo por una acción de guerra cuando estaba en Angola. Vidas paralelas que les han alejado de su infancia y adolescencia, en tosos los sentidos y más porque Nora que fue novia en la adolescencia de Rodolfo se casó con Geni tras una vida movida, disipada y motera en unos años de velocidad y alcohol.
Padura salva el amor en la vejez a través del reencuentro de Nora y Roberto. El Amor salva vidas y cubre de esperanzas y el futuro de los personajes, excepto para Geni que sale de la cárcel tras cumplir 31 años de condena, con un cáncer terminal.
He echado de menos la profundidad y la frescura de los personajes, envueltos en un halo de escepticismo. Una novela más centrada en describir la miseria de la vida en la Cuba actual que en presentar personajes todavía no vencidos del todo por la derrota de sobrevivir en Cuba.
Cometas en el cielo (2007), dirigida por Marc Forster
Adaptación del best-seller de Khaled Hosseini. Amir regresa a Afganistán, su país natal, que se halla todavía bajo el dominio talibán, con la intención de rescatar al hijo de su mejor amigo de las garras del régimen. Se propone también solventar todos los problemas que dejó atrás cuando abandonó el país. (FILMAFFINITY)
Excelente película dirigida por Marc Forster. Realizada en 2007, cuando los talibanes estaban en el poder, narra la truculenta historia de Afganistán desde la época anterior a 1979, la invasión soviética, el fortalecimiento de las tribus talibanes y el poder ejercido por estos en los primeros años del Siglo XXI. Afganistán ha sido invadido en varias ocasiones (ingleses, soviéticos, americanos), sin resultado. La última ha sido la salida de las tropas internacionales en 2022, tras años de ocupación tras el atentado del 11-S.
La historia se centra en la infancia de Amir, de familia acomodada en Kabul. Amir era un niño callado, reservado, miedosos, sin apenas amigos. Su madre murió a dar a luz. Tenía como gran amigo al hijo de uno de los sirvientes de la casa de su padre. Compartieron andanzas en Kabul, sobre todo con la afición del vuelo de las cometas, una gran pasión de los afganos que el director presenta en secuencias muy logradas describiendo el vuelo en el cielo acompasado con un manejo desde la tierra que semeja a los movimientos del baile tradicional afgano.
Amir fue incapaz de ayudar a su amigo cuando fue atacado, violentado y abusado por otros adolescentes, Le traicionó provocando la salida de la casa familiar tras simular un robo del que fue acusado su amigo. Da la sensación de que le costaba mucho mantener ese vínculo de amistad y que provocó la expulsión de su vida de su amigo.
Tras huir de Afganistán, establecerse en USA y comenzar su vida matrimonial, recibe la noticia de que su amigo ha sido asesinado y que tenía un hijo. Emprende un viaje para rescatar al hijo de su amigo como forma de reparar lo que no hizo en su pasado, cuando provocó lo contrario. La película es una historia de redención y reparación de lo que podemos hacer en vida para superar la culpa de haber hecho cosas de las que nos arrepentimos.
Me ha gustado mucho la película. En vida todo es posible, con la muerte ya no.
La diligencia (1937). Dirigida por John Ford
Personajes muy variopintos emprenden un largo, duro y peligroso viaje en diligencia. Entre ellos, un fuera de la ley en busca de venganza, una prostituta a la que han echado del pueblo, un jugador, un médico, la mujer embarazada de un militar, un sheriff. Las relaciones entre ellos serán difíciles y tensas. Además, durante el viaje, tendrán que afrontar el ataque de una partida de indios apaches. (FILMAFFINITY)La diligencia
Personajes muy variopintos emprenden un largo, duro y peligroso viaje en diligencia. Entre ellos, un fuera de la ley en busca de venganza, una prostituta a la que han echado del pueblo, un jugador, un médico, la mujer embarazada de un militar, un sheriff. Las relaciones entre ellos serán difíciles y tensas. Además, durante el viaje, tendrán que afrontar el ataque de una partida de indios apaches. (FILMAFFINITY)
Dirigida por John Ford en 1937, es posiblemente uno de los grandes westerns de la historia del cine, no solo por la incorporación de elementos técnicos inusuales hasta ese momento sino por la caracterización de los personajes reunidos en una caravana que emprende un viaje hacia la gran ciudad. Los grandes temas del cine de John Ford empiezan a delinearse en esta película: lealtad, búsqueda de un destino, la lucha contra un pasado personal en la vida de cada personaje, creación del estado americano, la amistad y el amor, alianza y conflicto entre etnias y culturas, conflicto entre clases sociales, los marginados, los más pudientes, los marginados y los que luchan por cumplir un sueño, sea la venganza, tener un hijo o seguir por el camino andado de siempre.
El gran talento de John Ford es mantener en vilo al espectador a través de las distintas secuencias de la película y centradas en la presentación paulatina de los personajes y las relaciones que se dan entre ellos. Entre el medico alcohólica y su deber profesional ayudando a parir a … entre el sheriff y el preso prófugo al que debe llevar a la ciudad y encarcelar de nuevo, entre el discurso sobre la política del poder de… y los demás personajes. Y cómo todos viajan a un futuro arriesgado e incierto lleno de peligros centrados en recorrer territorio apache y la posibilidad de morir en el intento, como ocurre en cualquier éxodo de personas que se trasladan de un país a otro sea en patera o atravesando desiertos y ríos, como las espaldas mojadas mexicanos.
La escena del ataque de los apaches a la caravana mantenida durante largos minutos es de una fuerza inmensa casi cien años después, cuando no existían drones ni vehículos preparados para acompañar una movie veloz como la que ocurre en la película. Las acrobacias de los jinetes apaches, cayendo de los caballos a gran velocidad, la incorporación del paisaje árido y montañoso es otra gran aportación, así como el comienzo y presentación de las escenas y los personajes principales de la película.
A partir de esta película John Ford dignificó el western mostrando algunas de las grandes pasiones humanas (lealtad, venganza, amor) y profundidad en la descripción de los personajes.
Una de las grandes películas de la historia del cine que ha influido muy directamente en otros directores como Kurosawa, Orson Wells o Spielberg.
Entre la razón y la locura (2019) Dirigida por Farhad Sinari
A mediados del siglo XIX, el profesor James Murray comienza a compilar palabras para la primera edición del Oxford English Dictionary, un diccionario que tiene la ambiciosa tarea de recopilar todas las palabras de la lengua inglesa. Para sorpresa de Murray, un doctor de un asilo psiquiátrico será una de sus mayores ayudas... (FILMAFFINITY)
Una película centrada en el encuentro de dos personalidades obsesivas una dentro del ámbito científico, un sabio experto en el conocimiento de idiomas y otra, un médico trastornado a raiz de su profesión como médico militar en la Guerra de secesión americana. Uno se afana por empezar a construir el gran diccionario etimológico de la lengua inglesa, el otro muy mermado por sus frecuentes delirios, recluido en un manicomio tras asesinar al que creía su perseguidor. El encuentro de estas dos grandes personalidades puso el germen en la creación del gran diccionario de Oxford Press de la lengua inglesa.
Los límites de la razón y la locura, mediados por el entorno afectivo y el enamoramiento son los ejes de esta sorprendente película
Querer (2024). Miniserie. Dirigida por Alauda Ruiz de Azúa.
La película empieza con la denuncia de una mujer por malos tratos a su marido tras 30 años de matrimonio. Le acusa de violaciones en sus relaciones sexuales a las que ella se sentía obligada, dos días a la semana, los viernes y sábados. Refiere que no había consentimiento, que no disfrutaba, que eran dolorosas, aunque fingía en muchas ocasiones.
El mismo día de la denuncia abandona precipitadamente el hogar familiar y se va a la casa de su madre fallecida recientemente.
Tienen dos hijos independizados: el mayor casado con un hijo y el pequeño estudiante universitario que comparte piso.
Los hijos se sorprenden ante la decisión de la madre de denunciar al padre. Les cuesta entender su decisión y no quieren tomar partido.
Entre los dilemas que plantea la serie se encuentran:
1) Se puede considerar violación las relaciones sexuales en una pareja cuando ella no accede a las mismas de forma voluntaria.
2) la dificultad para rehacer la vida personal de una mujer que decide separarse.
3) cómo afecta la separación a la estructura familiar.
4) denunciar es equivalente a superar el trauma por haber sido violentada sexualmente durante la vida matrimonial?
5) para la mujer ama de casa, en una familia burguesa con dependencia económica del marido, es posible rehacer la vida sin encontrar un trabajo que la pueda sostener económicamente?
El informe Stein (1996). En Cuarteto de la memoria. Juan Carlos Llop. Madrid, Alfaguara. (2025)
Tras El informe Steiner, primer relato de este cuarteto escrito hace 30
años, Llop ha escrito tres novelas que tienen como eje la ficción de una
vida novelada en contextos históricos y lugares diversos.
En la
narrativa de Juan Carlos Llop se mezcla la estupenda descripción de
personas, lugares, cosas y sentimientos de los protagonistas junto a
saltos en el tiempo donde reúne escenas con un abuelo o con un pasado
que va desde escenas históricas, reseñas literarias, grandes batallas
siempre con metáforas resplandecientes llenas de colorido y de análisis
psicológico de los personajes.
Es uno de los grandes escritores en
español. Afincado siempre en Mallorca y relativamente alejado del
virtillo cultural mediático, ha creado un mundo muy personal donde la
prosa poetica ñe sirve para auba pensamiento, mundo ficticio realidad y
suelo dentro de un componente de auto ficción.
El Informe Steiner
Un gran relato sobre la infancia y la adolescencia del narrador y de sus amigos en un colegio jesuita de Palma de mediados de los años 50 del Siglo pasado.
Combina
los recuerdos con excelentes metáforas descriptivas de la naturaleza,
de los interiores de las casas habitadas, de las figuras relevantes de
su entorno familiar, de sus abuelos, profesores del colegio y de las
emociones vinculadas sobre todo a sus padres ausentes y a los abuelos
con los que vive.
El relato de construye como una novela de intriga,
entre lo policiaco, las vivencias personales y casi como un Thriller,
con ingredientes históricos y de espionaje reales que se confunden con
los inventados por el narrador y sus amigos.
Me ha gustado mucho este
relato donde la ausencia de los padres reales se compensa con las
inquietudes del protagonista, con sus fantasías compartidas con sus
amigos y con el cariño de unos abuelos que sustituyen a los padres.
Un gran relato.
Tres adioses (2025). Dirigida por Isabel Coixet
Tras lo que parecía una discusión sin importancia, Marta (Alba Rohrwacher) y Antonio (Elio Germano) se separan. Él, un chef prometedor, se refugia en sus fogones; ella, en su silencio, empieza a notar algo más que tristeza: ha perdido el apetito… y no solo por desamor. Cuando descubre que detrás hay un problema de salud, todo da un giro inesperado: la comida sabe mejor, la música le llega como nunca y el deseo despierta sus ganas de vivir sin miedo. (Filmaffinity)
La película transita desde un conflicto de pareja que da lugar a una ruptura y la elaboración del duelo por la separación en cada uno de los protagonistas al proceso de encaje en la protagonista de un cáncer que poco a poco va invadiendo su cuerpo.
Basada en los relatos de Michela Murgia, que murió poco después de cumplir 50 años de cáncer y que luchó hasta el último momento y escribió sobre sus sentimientos hasta el último momento. De estos cuentos seleccionó los que trata esta historia entre Antonio y Marta y la enfermedad de ésta.
Me gusta cómo desarrolla esta historia. La película va de menos a más, tratada con ritmo y con mimo, donde la fotografía de los rincones de Roma sobre todo del Trastevere recorrido por el pedaleo constante en la bicicleta de la protagonista, por la música y las imágenes que se proyectan a través de cristales, espejos y perspectivas de edificios y los cielos de Roma.
El mensaje de la película es de aceptación de la realidad, dura muchas veces y con encuentros y desencuentros, de amor y desamor, de proyectos que se truncan y de otros que comienzan.
La mirada se va centrando cada vez más en la aceptación de la enfermedad de Marta. Por un lado, sigue con su trabajo en un instituto como profesora de educación física a su dialogo consigo misma magistralmente tratado por Isabel Coixet. Cuando la protagonista llega a su casa reflexiona y habla en voz alta con el recorte de tamaño natural en cartón piedra de un cantante famoso coreano que recoge en la calle y lo lleva a su casa como un acompañante secreto en el que vuelca sus temores, alegrías y proyectos. Esta figura se convierte en su aliado y su compañía, una figura plana que recoge sus reflexiones en la vida. Al final de la película esta figura plana e inerte recobra vida, sale a la calle y vive, como cada uno más en la vida tras recoger y haber escuchado y acompañado a Marta en sus reflexiones sobre la vida y la muerte.
Da la sensación de que para Coixet transitar en duelo es una cuestión personal, íntima, hasta que se llega a la etapa de aceptación donde ahí si se pueden incorporar otras personas que acompañen y compartan los nuevos desafíos de la vida.
Película que como contaba la directora en la tertulia tras la proyección de la película trata con realidad, sin añadir más dramatismo del que ya implica transitar por la vida con sus dificultades y alegrías. Comentaba que ella a veces se siente optimista, aunque sea una quimera, y que en todo caso hay que aceptar la vida tal y como es y vivir.
Hay momentos en la película que traducen esta vivencia sobre todo centrada en la comida y sus sabores. La escena cuando ella se está comiendo un helado es de auténtica mindfulness, lo saborea plenamente, esa es la metáfora y el resumen de la película, no pares, sigue aprendiendo, ya sea coreano o de otras experiencias de la vida y celébralo.
Me ha gustado mucho la interpretación de Alba de Alba Rochwacher sobre el papel de Marta. En ningún momento decae la intensidad de su interpretación en la película.
La ruleta de la fortuna y de la fantasía (2021). Dirigida por Ryûsuke Hamaguchi
Contada en tres movimientos, es una colección de historias protagonizadas por personajes femeninos que trazan las trayectorias entre sus elecciones y arrepentimientos. Un triángulo amoroso inesperado, una trampa de seducción fallida y un encuentro que resulta de un malentendido. (FILMAFFINITY)
Película llena de sobresaltos y no solo por contar tres historias distintas, con los mismos personajes en las dos primeras y una tercera que abre las puertas a los personajes de las dos primeras en un encuentro y final imprevisible.
El director de Drive my car traza en esta película un mosaico de relaciones donde la sorpresa y el azar condiciona la vida de los protagonistas.
Hay que estar muy atentos y a la vez dejarnos llevar por las historias para empaparnos de las intenciones del director a la hora de mostrarnos a los personajes. O bien simplemente dejar que la vida suceda y nos arrastre como hace él con el destino y final de las historias.
Lo que es claro es que la voz de este director es única en el panorama de cine que llega a nuestras pantallas y a nuestras casas.
El cine japonés está alcanzando cotas de contenido moral muy centrado en las relaciones humanas y de pareja. Historias personales con las que empatizamos desde nuestra cultura occidental.
El acompañamiento repetido de la música para piano de Robert Schumann da una atmósfera íntima y sensual de las historias
Nuremberg (2025). Dirigida por James Vanderbilt
Tras el fin de la II Guerra Mundial, con ocasión de los cruciales juicios de Nuremberg de los Aliados contra el derrotado régimen nazi, el psiquiatra estadounidense Douglas Kelley (Malek), encargado de determinar si los prisioneros oficiales nazis son aptos para ser juzgados por sus crímenes de guerra, se ve inmerso en una compleja batalla de ingenio con Hermann Göring (Crowe), mano derecha de Hitler. Basada en el libro "El nazi y el psiquiatra" de Jack El-Hai. (filmafinity)
Estupenda película centrada en los preparativos del primer juicio internacional donde se iba a juzgar a algunos de los jefes del nazismo capturados tras la Segunda Guerra Mundial.
La película esta centrada en la relación entre el psiquiatra Douglas Kelley y Herman Göring. Dos egos en lucha cada persiguiendo objetivos distintos. El psiquiatra profundizar y conocer la mente de los nazis y convertirse en un experto mundial en la psicología del nazismo y Goring intentar que a través del juicio se pudiera indultar a el y otros dirigentes de las acusaciones de crimen contra la humanidad y pasar a la historia como dirigentes, pero no como asesinos.
El duelo de estas dos personalidades está servido y la relación que se crea entre ellos es tan intensa y cercana como en la que se puede producir entre cualquier paciente y su terapeuta o entre dos personas que se conocen en circunstancias excepcionales. El mal está representado en Goring y el conocimiento, la compasión y la ciencia en el psiquiatra, pero con lo que no contaba este es con el fenómeno de empatía que se produce entre ambos donde la confianza, la amistad, la lealtad entran en juego. Pero estamos a las puertas de un juicio contra criminales y las cartas se trastocan. Sobre esto va la película, sobre las traiciones que se producen entre personas cercanas cuando se entrecruzan otras variables como en el psiquiatra ceder ante el juramento hipocrático de la confidencialidad a favor de la causa común contra el nazismo.
La película nos acerca al horror de la segunda guerra mundial desde una visión de acercamiento a las personas que contribuyeron a crear ese mal, que siguen siendo personas dentro del horror que generaron alrededor.
Gran interpretación de Russel Crowe y buena dirección y ambientación del momento donde se desarrolla el Juicio de Nuremberg
Steve (2025). Dirigida por Tim Mielants
Steve, director de un reformatorio para chicos problemáticos, lucha por seguir adelante con su trabajo mientras intenta controlar su salud mental. Al mismo tiempo, Shy, un estudiante problemático, navega entre sus tendencias violentas y su fragilidad, dividido entre su pasado y sus perspectivas de futuro. (FILMAFFINITY)
Sorpresa en Netflix con esta película del 2025. Trata sobre un tema poco tratado: El día a día de los cuidadores, rehabilitadores y terapeutas de adolescentes conflictivos. La carga emocional y la intensidad de su trabajo por sacar a flote y dar una esperanza a chicos que si no estuvieran en Centros especializados sería carne de cañon para la delincuencia y la cárcel.
Narra 24 horas en la vida del Centro amenazado por el cierre y por deficientes condiciones en las que trabajan los profesionales. La violencia forma parte en la relación entre este pequeño grupo de chicos con problemas serios de salud mental entre ellos y con los cuidadores.
Steve está sobrecargado tanto por sus molestias físicas a raíz de un accidente de tráfico que tuvo hace tres años donde murió una niña como por la culpa que arrastra desde entonces y por la exigencia y el compromiso en su trabajo. Hay que tener una madera especial para cargar sobre sus hombros la responsabilidad de ayudar a estos chicos. Sin el cuidado que se desarrolla dentro del equipo de cuidadores no sería posible trabajar en estas condiciones. Pero no basta, no es suficiente y la desesperanza a veces aflora entre ellos.
Un trabajo de compromiso muy delicado que pocas veces se trata en el cine
Una gran actuación de Cillian Murphy en el papel de Steve y de todos los personajes de la película. Una gran direccion con con planos secuencia largos para meternos dentro del escenario donde se desarrolla la película.
Solo las bestias (2019). Dirigida por Domenique Moll.
Una mujer desaparece. Después de una tormenta de nieve, su coche es descubierto en una carretera en dirección a un pueblo remoto. Mientras que la policía no sabe por dónde empezar a investigar, cinco personas parecen estar ligadas a la desaparición. Y cada una de estas personas tiene su propio secreto que ocultar. (Filmafinity)
Thriller policiaco y psicológico centrado en la búsqueda del cuerpo de
una mujer que desaparece en la carretera durante una nevada
Excelente
la conexión entre los sospechosos, sus vidas privadas y familiares.
Vidas solitarias, fracasadas sentimentalmente. Algunos en el borde de la
locura ya sea por enfermedades mentales graves o inducidas por búsqueda
en internet para aliviar la soledad en la que se encuentran. Centrada
en el medio rural donde a veces pagan justos por pecadores, donde todos
pierden en la la búsqueda de soluciones para sus dificultades en la
vida. Una gran pelicula estupendamente narrada y sostenida por la
conexión entre los personajes y sus conflictos unidos entre su por el
fracaso, el engaño y las infidelidades.
Arundhati Roy. Mi refugio y mi tormento. Madrid Alfaguara, 2025.
Un libro de los más valientes que he leído de una mujer libre en un país muy complejo como la India.
Escrito
para reconstruir el recuerdo de su madre fallecida en 2022 y de una
infancia y adolescencia muy dura: sus padres se separaron cuando tenía 3
años y un año más su hermano. Malvivieron tras la separación porque en
India las mujeres separadas no tienen casi ningún derecho y su madre no
pudo heredar hasta muchos años después y tras mucho litigios la parte de
su herencia paterna.
A los 17 años se va de casa a estudiar
arquitectura a Delhi. Pasaron 7 años sin ver a su madre. Al padre no lo
vuelve a ver hasta más de 20 años después de la separación. Padre
alcohólico y maltratador, abuelo alcohólico también maltratador y madre
con un trastorno de descontrol de impulsos que rechazo a su hija desde
muy pequeña.
Valor sentimental (2025). Dirigida por Joachim Trier.
El comienzo de
la película nos traslada a las dificultades de una actriz para superar
un ataque de pánico poco antes de salir a escena para interpretar al
personaje de La Gaviota de Chéjov. Intuimos que detrás de la mascarada y
la interpretación se esconde una personalidad compleja. La película va
mostrando pinceladas para acercarnos al universo de la infancia y el
presente de Nora. La madre ha muerto recientemente, era psiquiatra. El
padre, director de cine, les abandona hace años. Siempre fue un padre
ausente. La abuela, Agnes, fue encarcelada y torturada por el gobierno
colaboracionista noruego con el tercer reich. Se suicidó en la casa
familiar. La hermana pequeña está casada y tiene un hijo Erik.
La relación estrecha entre las hermanas de mantiene en el presente.
Nora alterna éxitos en el teatro con una vida solitaria, sin pareja, con dificultad para comprometerse afectivamente.
El
padre vuelve tras años de ausencia. Quiere hacer una película tras 15
años desde su última película. Elige a Nora como protagonista "tu eres
la persona que pensé cuando escribí el guión". Nora rechaza le propuesta
sin siquiera leer el guión.
La película se desarrolla entre los
porqués de esta renuncia el intento del padre de rodar con otra actriz,
la reconstrucción del pasado común de las dos hermanas.
La vida
trascurre a pesar de las dificultades y la película va exponiendo en
capítulos que se van desarrollando tras fundidos en negro
La casa
familiar es el eje de la película, una casa donde el padre quiere rodar
esa película tan personal y trascendente para el y la relación con su
pasado y con la relación con Nora que encarna el conflicto y los mitos 6
silencios familiares. Una película que me ha mantenido en estado
imantado por las interpretaciones, el tema, el ritmo, y un intimismo
donde renace Bergman en el siglo XXI.
El buen mal. Samantha Schweblin. Barcelona, Seix Barral, 2025
En El buen mal, su nuevo libro de cuentos, los personajes de
Samanta Schweblin se encuentran en un punto de no retorno, encandilados
por el fulgor de la inminente tragedia. Vulnerables y profundamente
humanos, están atrapados en ese instante en que lo extraño asoma a sus
vidas para transformarlas, dejando a algunos de pie frente al dolor, a
otros dialogando con la culpa o la ternura y a todos atravesados por la
incertidumbre.
La prosa de Schweblin combina tensión y verdad para
construir un universo literario en el que los monstruos de la vida
cotidiana nos miran desde tan cerca que casi podemos sentir su aliento.
Su escritura provoca en el lector asombro e inquietud, un estado de
alarma que al mismo tiempo lo transporta a un mundo hipnótico tan
reconocible como extraño.
Con una obra reconocida
internacionalmente con el National Book Award y el Premio Iberoamericano
de Las Letras José Donoso, entre otros galardones, Samanta Schweblin,
ha sido finalista del International Booker Prize en tres ocasiones y
«lidera una vanguardia de escritores latinoamericanos que está forjando
su propio canon del siglo XXI» (O, The Oprah Magazine).
Me han gustado mucho la forma de narrar de esta autora que no habia leido antes. Sobre todo la capacidad de cambiar de registro de un momento a otro y seguir nuestra atención en percepciones y situaciones posibles pero que pasan desapercibidas para el lector.
Una autora para seguir leyendo
